No tan corto, no tan largo

Esta selección de videos de la Colección de arte del Banco de la Republica presenta la obra de 5 artistas colombianos, Juan Fernando Herrán, Carlos Motta, Laura Huertas Millán, La Decanatura y Ricardo Muñoz Izquierdo. El trabajo audiovisual de los artistas plásticos tiene una peculiaridad frente al de los cineastas y es que sus propuestas se mueven en circuitos no solo de cine, como festivales y proyecciones, sino también en exposiciones y bienales de arte, muchas veces en formato de instalación. Es así como algunas de las obras escogidas para esta programación se han presentado “instaladas” en otras ocasiones, es decir, en exposiciones en donde su presencia en la sala altera el espacio de proyección ya sea porque el color de los muros es diferente o porque está acompañado de otras piezas. Este es el caso de la obra de la Decanatura que en una versión se presenta con dos fotografías de gran formato, pero también puede exhibirse sin las fotos, en una sala de proyección, dentro de un programa de video.

Las obras aquí presentadas han sido galardonadas tanto en festivales de cine como en bienales y salones de artes Plásticas. Esta ambigüedad permite a los artistas desdibujar los límites de los géneros y moverse con tranquilidad entre el cine de ficción, el documental, el video arte y la instalación sin preocuparse por definiciones o incluso por la duración de sus propuestas, algo que en el cine comercial es algo fundamental. No tan corto, no tan largo se refiere precisamente a esta flexibilidad de los formatos que trabajan los artistas en el video. Algunos son más largos que un corto y otros duran menos que un corto, unos trabajan con las herramientas del documental y otros, desde la experimentación, se soportan en la ficción.

La Colección de Arte del Banco de la Republica trabaja nuevas estrategias para hacer llegar a los públicos de los Centros culturales de las diferentes regiones del país, las obras de este importante acervo que tiene su centro neural en Bogotá y que se expande por el territorio a través de exposiciones itinerantes y muestras de video.

Luis Fernando Ramírez

Obras y artistas:

• Juan Fernando Herrán (Bogotá, 1963)

La vuelta

2013

Video

25 minutos 39 segundos

AP 6333

Juan Fernando Herrán hace en La vuelta una radiografía audiovisual por medio de testimonios e imágenes de una de las zonas más emblemáticas de Medellín: las comunas, barrios marginales de la ciudad, cuya pobreza y violencia se incrementaron en los años ochenta y noventa por causa del narcotráfico, la violencia y el sicariato. A través de un relato documental, Herrán muestra cómo y por qué en estas comunidades poseer una moto se convirtió en un sello social y en un símbolo de prestigio. El artista, desde el rastreo, investigando incluso los rasgos sociológicos y psicológicos de este objeto cotidiano, logra reconstruir la vida de personas que tienen o desean una moto y que están siempre en riesgo. Finalmente, es la moto la que te lleva al borde de la vida y la muerte (“mueres o matas”), pero también la que te eleva de posición. Es el objeto de deseo, el símbolo de poder, el tótem de estos mundos periféricos.

(De la Exposición Bordes de la cotidianidad, curaduría Ximena Gama, El Parqueadero, 2018)

Sobre el artista:

Juan Fernando Herrán es un artista multidisciplinar que trabaja desde el video, la fotografía, la escultura y la instalación. Su obra parte de investigaciones minuciosas que lo llevan a explorar temas relacionados con problemáticas sociales, políticas y culturales en Colombia como puede ser el narcotráfico, la violencia, la construcción del entorno desde la arquitectura popular hasta los símbolos de la democracia.

Juan Fernando Herrán estudió artes en la Universidad de los Andes en Bogotá, donde es profesor titular. Tiene estudios en teoría del arte y escultura en el Chelsea College of Arts en Londres, Inglaterra. Entre sus exposiciones individuales destacan La Pierre et la Poussière (Centre d’art contemporain La Halle des Bouchers. Francia, 2017), Ni héroes ni mártires (Museo Amparo, México, 2017), Héroes mil (Museo de Arte Moderno de Medellín, Colombia, 2016) y Espina dorsal (NC-arte, Colombia, 2011). Entre las colectivas, Al encuentro de la cotidianidad (Jeu de Paume, Francia, 2017), Entre siempre y jamás, en el contexto de la 54 Bienal de Venecia (Italia, 2011) y Modelos para armar: pensar Latinoamérica desde la Colección MUSAC (MUSAC, España, 2010), además de encuentros como la Bienal del Fin del Mundo (Ushuaia, Argentina, 2007), la 26 Bienal de São Paulo (Brasil, 2004), la II Bienal de Mercosur (Porto Alegre, Brasil, 1999) y la 2ª Bienal de Jonannesburgo, dirigida por Okwui Enwezor (Sudáfrica, 1997).

• Carlos Motta (Bogotá 1979. Vive y trabaja en NY)

Deseos

Video

2015

32 minutos

AP 6308

La obra Deseos, de Carlos Motta se desarrolla a través de un intercambio epistolar ficticio entre Martina —una hermafrodita neogranadina— y Nour —una mujer que, al ser descubierta teniendo relaciones sexuales con otra mujer, es obligada a contraer matrimonio en Beirut durante el Imperio otomano.  El diálogo que se entabla en dos idiomas, árabe y español, revela relaciones de afecto y supervivencia de dos seres ordinarios, signados como anormales y clasificados por su forma de afirmar la naturaleza de sus sentidos. Las imágenes se emplean aquí como estrategias de supervivencia ante un ordenamiento moral de la educación sentimental.

(De la exposición Habitación compartida, Sigrid Castañeda, MAMU, 2018)

Sobre el artista:

Carlos Motta es un artista multidisciplinar que trabaja problemáticas sociales en torno a comunidades o individuos cuyas problemáticas has sido invisibilizadas. Si trabajo comprende la investigación rigurosa de archivos que cruza con imágenes contemporáneas en medios como el video, la instalación y el performance.

El trabajo de Motta ha sido presentado internacionalmente en lugares como Tate Modern, Londres; New Museum, Museo Guggenheim y MoMA/PS1, Nueva York; Instituto de Arte Contemporáneo, Filadelfia; Museo de Arte del Banco de la República, Bogotá; Museo Serralves, Porto; Museo Nacional de Arte Contemporáneo, Atenas; CCS Bard, Museo Hessel de Arte, Annandale-on-Houdson; San Francisco Art Institute; Hebbel am Ufer, Berlín; Witte de With, Roterdam; Sala de Arte Público Siqueiros, Ciudad de México; y muchos otros espacios públicos, privados e independientes alrededor del mundo.
Motta es graduado del Whitney Independent Study Program (2006), obtuvo una beca de investigación de la Guggenheim Foundation (2008) y recibió becas de Art Matters (2008), NSYCA (2010). Creative Capital Foundation y The Kindle Project (2012). Dicta clases en Parsons The New School of Design, The School of Visual Arts, fue profesor invitado en Pratt Institute School of Art and Design en la primavera del 2014 y recientemente merecedor del premio de la tercera edición del Future Generation Art Prize.

• Laura Huertas Millán (Bogotá, 1983)

Sol negro

2016

Video

42 minutos 36 segundos

AP 6427

Créditos:

Escrita y dirigida por: Laura Huertas Millán

Producida por: Evidencia Films, Les Films du Worso

Elenco:

Nohemí Millán

Martha Millán

Laura Huertas Millán

Juan Pablo Barragán

José Ignacio Uribe

El título (“Black Sun”) evoca tanto el eclipse solar como el “spleen oscuro” que los médicos, a lo largo de la Antigüedad, solían atribuir a las pulsiones melancólicas y suicidas, especialmente en lo que afectaba a los artistas. Aquí tales pulsiones acaban por chocar con la existencia de Antonia, una cantante de ópera cuya oscura belleza ilumina la película. A través de una puesta en escena discreta y elíptica, Laura Huertas Millán presenta el carácter polifacético de Antonia.

Los lazos familiares se exploran con delicadeza no tanto como un origen del mal sino como una especie de polifonía introspectiva: las voces de tía, madre e hija (la propia directora) se escuchan mientras lucha, a través de la ficción, por escapar del destino de su familia. Las relaciones entre el cuerpo y la mente, así como la depresión y la creación artística, se destacan a través de fragmentos, cuestionamientos continuos y tacto infinito. La película esparce poco a poco parte del veneno que carcome la mente y produce dolores de estómago, liberando lentamente la melancolía y la tristeza profunda al alejarse de los cuerpos tan mirados a través de las palabras, la respiración, el canto o el llanto y, a veces, incluso al comer. Inhalar, exhalar: una tarea mucho más difícil de lo que parece en un principio.

La búsqueda de la verdad se desarrolla a lo largo de la vida de Antonia, tanto en momentos de fortaleza como de vulnerabilidad: la soprano está condenada a cantar en una sala vacía, como un sol al que nadie puede mirar directamente sin quemarse los ojos.

C. Guénot, FIDMarseille

Sobre la artista:

Laura Huertas Millán es una cineasta y artista visual franco-colombiana, cuya práctica se ubica en la intersección entre el cine, el arte contemporáneo y la investigación.

Huertas Millán tiene un doctorado de la Universidad PSL (programa SACRe) y el Laboratorio de Etnografía Sensorial (Universidad de Harvard). Trabaja como educadora en espacios académicos y alternativos. Huertas Millan es parte del colectivo artístico, de investigación y curatorial Counter-Encounters (con Onyeka Igwe y Rachael Rakes) sobre antropología crítica y la estética y política del encuentro.

Su obra ha sido seleccionada para festivales de cine como la Berlinale, Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF), Festival Internacional de Cine de Róterdam, Festival de Cine de Nueva York y Cinéma du Réel, sus películas han obtenido premios en el Festival de Cine de Locarno, FIDMarseille, Doclisboa y Videobrasil, entre otros. Se han organizado más de veinte retrospectivas y enfoques de su trabajo en todo el mundo, en cinetecas como TIFF Lightbox de Toronto, Film Archive de Harvard o la cinemateca de Bogotá, y festivales de cine líderes como Mar del Plata y Rencontres du Documentaire de Montreal.

En el campo del arte, sus últimas exposiciones individuales se realizaron en el MASP Sao Paulo, Maison des Arts de Malakoff y el Museo de Arte Moderno de Medellín. Sus películas también han sido exhibidas y proyectadas en instituciones de arte (Centre Pompidou Paris, Jeu de Paume, Guggenheim Museum NY, Times Art Berlin) y bienales (Liverpool, FRONT Triennial, Videobrasil, Videonnale). Forman parte de colecciones privadas y públicas (Kadist, CNAP, Banco de la República de Colombia, CIFO, FRAC Lorraine, entre otros).

• La Decanatura (Elkin Calderón (Bogotá, 1975) Diego Piñeros (Bogotá, 1981)

Centro espacial satelital

Video

12 minutos 4 segundos

AP6230

Centro espacial satelital de Colombia empieza en la quietud de un paisaje campestre típico de las tierras frías de la región de Bogotá, donde emerge repentinamente la silueta decrépita de tres enormes antenas parabólicas, vestigios del antiguo Centro de Comunicaciones Espaciales, institución creada en el municipio de Chocontá en los años setenta y cerrada súbitamente en la década siguiente por causa de obsolescencia tecnológica. En este paisaje nubloso, cuya inmutabilidad contrasta con la decadencia de las parábolas, aparece naturalmente la banda sinfónica infantil del pueblo, cuyos integrantes visten extraños overoles integrales, blancos e inmaculados. Después de desplegarse a la manera de una orquesta en el campo de la cámara,el grupo debuta con una suite, impasible ante la extrañeza de una escena entrecortada de planos de la sala de control de las antenas. La incongruencia de la escena conjunto, provocada por una aparente ausencia de diálogo entre los elementos de la obra, ya sean los niños, sus prendas blancas, la infraestructura decaída, el campo o los instrumentos de la banda, genera una estética improbable, sin lugar ni época pero concreta, como en la formulación de una poesía documental.

Del catálogo de la exposición Ires y venires, Julien Petit, Banco de la Republica, 2021

Como colectivo Calderón & Piñeros ha recibido becas y premios para el desarrollo de sus proyectos como: beca “Túnel de Escape» del espacio del Aljibe y la Casamata del Baluarte de Santa Catalina – Cartagena de Indias; Ministerio de Cultura y Escuela Taller Cartagena de Indias (ETCAR) 2021; fueron nominados al X Premio Luis Caballero 2019; ganadores programa de residencia Coincidencia Pro Helvetia en Villa Ruffieux, Suiza, 2018/ 2019, y ganadores de la V Bienal de Artes Plásticas y Visuales, Bogotá 2018.

El colectivo ha participado en festivales internacionales de video y cine como IFFR (2022); FICCI (2022); DOK Leipzig (2020); Festival Biarritz Amérique Latine (2020); HERE/NOW: Visiones actuales de Colombia, Ámsterdam (2019); Rencontres Internationales París/Berlín (2018); 20º Festival de Arte Contemporânea Sesc_Videobrasil, São Paulo (2017), y Salón Nacional de Artistas de Colombia, AUN, (2016)

• Ricardo Muñoz Izquierdo (Pereira, 1985)

Las moscas también duermen

Video

7 minutos 26 segundos

AP6221

Por muchos años, la Florida, corregimiento rural en las afueras de Pereira, ha sido el lugar en el que Muñoz Izquierdo ha trabajado y vivido. Los artistas Freddy Clavijo y Ricardo Muñoz fundaron allí la residencia para artistas llamada La Cuenca. En este espacio Las moscas también duermen, cuyo título, según el artista, proviene de la presencia de las moscas en este lugar rodeado de sembrados.

Las moscas son asociadas con lo sucio, la descomposición, la muerte, las heces, el lado oscuro de la naturaleza. Muñoz ha explorado este mundo oscuro de la naturaleza y el hombre desde una perspectiva personal. El cuento comienza, con un cuerpo celeste: un sol humanizado que anuncia la llegada de un nuevo día en un universo en el que unos seres, desviaciones de personajes infantiles, entre humanos y animales, se desplazan en escenarios oníricos, en ocasiones siniestros.

La linealidad de una posible historia se desdibuja y se fragmenta en sueños que se mezclan con fragmentos de la cotidianidad del artista, que incorpora en el relato, como puede ser la misma vida en el campo o el deambular motorizados por senderos rurales. Los personajes de Las moscas llegan así a una puerta secreta en la boca de una cara enorme, dibujada a gran escala directamente sobre la escenografía y animada después en la edición del video. En su obra, el entorno natural en el que vive el artista se transforma en sueño, psicodelia, humor negro y misterio.

Del catálogo Cuerpos Celestes y otras aberraciones, Luis Fernando Ramírez, Banco de la República 2018

Sobre el artista:

Ricardo ha construido un lenguaje característico de amplia recordación. Los resultados de su trabajo oscilan entre la escatología, la violencia, lo sagrado, la crudeza erótica y la autobiografía, para proponer un surrealismo particular. Mediante una singular metodología de trabajo, Muñoz explora diversas técnicas, pero sin agotar los logros de cada una. Sus proyectos van del arte urbano a la experimentación sonora, del dibujo a la animación, de la serigrafía al fanzine, de la pintura a la escultura, del performance a la dirección de arte, y viceversa.  Se ha interesado por explorar asociaciones entre lenguajes gráficos de fuerte carga anecdótica desde el humor, el cinismo y la deformación alegórica

Cursó estudios en la Universidad Tecnológica de Pereira y en la Universidad Federal de Pelotas (Brasil). Obtuvo una pasantía nacional en Artes Visuales del Ministerio de Cultura de Colombia, con la tutoría de Juan Mejía y María Isabel Rueda. Fue director de la residencia artística La Cuenca, en Pereira. Sus proyectos han sido seleccionados en importantes eventos a escalas nacional e internacional, como Artecámara - Artbo (2014), el FIF/BH. Festival Internacional de Fotografía de Belo Horizonte (2015), el 44 Salón Nacional de Artistas (2016), el Miami New Media Festival (2016), el Simultan Festival (2016) y el 14th Athens Digital Arts Festival (2018). Ha realizado residencias artísticas en Taller 7 en la ciudad de Medellín (2012), La Usurpadora en Puerto Colombia (2013), la Bienal Cerveira en Portugal (2014). Ha colaborado con el artista Marcel·lí Antúnez Roca en diferentes proyectos.

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